Работа над ошибками рисунок

• ВСЕ

• Рисование

• Советы художника

• История искусств

• Живопись

• Рисунок

• Цветоведение

• Поэтапное рисование

• Вдохновение

• О художниках

• Ученики

• Композиция

• Абстракция

• Книги

Я думаю, что уже многие слышали, что с февраля возобновил свою работу многолетний проект рисования с натуры «живыми» материалами — «Рисовальный флешмоб». Здесь можно ознакомиться с правилами участия: Sketch Flash Mob 2017. С этого времени и в Инстаграме, и здесь, в ЖЖ, уже опубликовано столько прекрасных работ, что просто глаза разбегаются. Радует, что в проекте участвуют как сильные художники, так и пробуют свои силы начинающие. Именно к последним мне хотелось бы сегодня и обратиться.

Как известно, без анализа ошибок и работы над ними нет творческого роста. Надеюсь, что мои советы ниже помогут вам задуматься над тем, как бы вы могли улучшить свои рисунки и сделать процесс создания разворотов в блокнотах или отдельных работ ещё более увлекательным.

По разговорам участников стало понятно, что многие столкнулись с такими трудностями, как ускользающий свет и увядающая или усыхающая натура. Например, я уже слышала такие рассказы, что пока человек несколько дней рисовал лимон, тот усох. Или пока нарисовалось стекло, увяло растение, которое в нём стояло. Как быть? Думаю, что нужно пересмотреть подход к работе и рисовать не просто пошагово и продвигаться постепенно, а более обдуманно. Поясню.

Если вы рисуете натюрморт с тюльпанами в стеклянной вазе, то нужно понимать, что ваза от вас никуда не убежит. Особенно если рисовать её всё время с одним и тем же светом. А это можно себе обеспечить в домашних условиях — например, садиться за рисунок примерно в одно и то же время суток или пользоваться искусственным источником света. А вот живая натура вроде цветов иногда меняет своё состояние ежеминутно.

Здесь важно предварительно изучить объект рисования и быстро зарисовать основные моменты (пусть даже схематично или миниатюрно), а не разглядывать натуру постепенно по мере продвижения в рисунке. На что стоит обратить внимание? На блики от растений на стекле, на то, какие лепестки будут в тени, а какие будут светиться или проглядывать через другие. Или обратить внимание, как именно переплетаются стебли (наметить основными линиями положение растений и их сечение в пространстве) и каким образом они отбрасывают тень на листья и соседние стебли. Не бойтесь делать целый ряд набросков и зарисовок — пусть даже быстрых, но действительно учебных. Результат вас очень порадует! Когда вы будете работать над самим рисунком, то уже будете

знать

, как нарисовать какую-то тень или объём даже тогда, когда внезапно ушёл свет или изменились какие-то другие вещи.

Уверяю вас, что если вы изучите натуру ДО того, как сядете рисовать и предварительно продумаете, как именно изобразить то, что видите, её быстрое увядание больше не станет проблемой. В крайнем случае можно дополнительно сфотографировать предмет или его часть. Но обязательно только то, что вы предварительно подробнейше изучили и зарисовали. НЕ наоборот! Иначе рисование с натуры не имеет никакого смысла — вы ничему не научитесь кроме слепого копирования фото. Фотография диктует свои законы. Она не отображет то, что заметно глазу! Поверьте на слово, что со временем вы будете так быстро рисовать простые объекты вроде цветов, лимонов или стекла, что ни свет не успеет ускользнуть, ни натура засохнуть.

Второй момент — правильное построение предметов. Я обратила внимание, что многие пытаются некой лихостью скрыть в работах ошибки или неточности построения. В ход идёт всё: брызги через всю работу, странные разводы, росчерки. На мой взгляд, если хочется настоящего творческого роста, нужно уделять больше внимания самому рисунку и построению предметов. У меня не так давно был вот какой случай с подругой, которая совсем недавно начала рисовать. В прекрасной и лёгкой акварельной манере, которую девушка, благодаря цепкости ума, достаточно быстро освоила в процессе обучения у одного из мастеров акварели, она изобразила букет тюльпанов. Однако рисунок выглядел неуклюжим и как будто неумелым, несмотря на то, что сама по себе акварельная техника была на высоте. Тогда я предложила ей повторить рисунок, только в этот раз уделить большее внимание геометрической форме тюльпанов. Продумать их тщательное построение и положение на плоскости (так называемые сокращения, когда изображаемый объект приближается к зрителю или удаляется от него в пространстве). И предложила уже только потом по правильному и точному рисунку отдаться красивой и лихой акварельной технике. Результат превзошёл все ожидания! Если вы чувствуете, что у вашей работы есть проблемы с пропорциями или правильностью форм, лучше повторить её — результат вас окрылит!

Третий момент — громоздкая типографика в работах. Я обратила внимание, что некоторые участники не уделяют должного внимания леттерингу или каллиграфии, что портит не только саму работу, но и общее впечатление о ней. Попробуйте исправить положение. Для этого есть очень простые и надёжные способы. Вы не пожалеете, если уделите начертанию букв немного больше времени. И об основах леттеринга, и о коллажных буквах я писала уже более 8 лет назад в сообществе art_expiration в Колонке модератора:
— Часть 1 — основы леттеринга
— часть 2 — пошаговое создание разворота
— часть 3 — коллаж из печатных букв.

Прислушайтесь, пожалуйста, к советам, опубликованным там. Вы удивитесь, насколько это приятно, когда хороший и грамотный рисунок дополняется не менее аккуратными буквами.

Другие статьи с небольшими советами для художниов вы можете прочесть по тегу «Художнику на заметку».

На ошибках учатся! Помните эту фразу? Конечно же, это абсолютная правда. Только так и можно чему-то научиться. Однако, знать начинающему художнику о тех ошибках, которые часто допускают  его товарищи очень важно и полезно. Это позволит ему не наступать на те же «грабли» и гораздо быстрее продвинуться вперед в плане профессионализма.

Читайте также:

• Как выбрать этюдник
• Жесткость карандашей. Как выбрать карандаши

Пообщавшись со знакомыми художниками и учителями на эту тему, получилась статья, из которой вы узнаете ТОП-10 самых распространенных ошибок начинающих художников. Берите на вооружение и старайтесь их не допускать. Тогда вы будете рисовать гораздо лучше. В конце статьи мы затронем тему художественной школы — нужна ли она новичку? Что ж, устраивайтесь поудобнее, начнем! 

Первая пятерка частых ошибок, связанных с психологическим подходом к живописи

1. Увлечение или сосредоточенность на одной частной детали

Упоминания об этой ошибке встречаются во многих художественных учебниках. Что это за ошибка? Это когда художник прорисовывает только мелкую и незначительную часть детали, не видя картину в целом. Возможно, вы замечали, как некоторые начинают рисовать портрет, например, с глаз. В эту деталь художник вкладывает столько сил и энергии, что продолжать рисование отпадает всякое желание.

Кстати, такой подход не верен в корне: рисовать нужно на всём полотне целиком, на уровне «ощущений», последовательно придавая четкость всем участкам картины. В противном случае вы вряд ли сможете соблюсти единую контрастность на всей картине, особенно если картина большая.

И самое обидное здесь то, что художнику придется все это стирать, потому что начинать следовало с самого основного — построения каркаса фигуры головы. Всегда начинайте рисунок с общего построения!

Кстати, такая же закономерность постоянно встречается в нашей жизни. Смотрите, профессионал своего дела, неважно какого, видит и влияет на ситуацию в целом, а начинающий часто сосредотачивается на мелочах, не замечая первостепенного. 

Не ограничивайте себя всевозможными стандартами и правилами. Если вы обучаетесь дома, попробуйте начать рисовать углем и резинкой. Если хотите карандашом — возьмите самый мягкий карандаш, чтобы быстро заштриховывать плоскости.

2. Спешка

Каждый художник хочет творить и создавать шикарные произведения. Но как же мало тех, кто готов затрачивать на это кучу времени! В итоге качество картины оставляет желать лучшего, хотя художник мог бы сделать лучше. Поэтому даже если вы раньше не рисовали и хотите наверстать упущенное, знайте, спешка ни к чему хорошему не приведет.

3. Рисование по воображению или по памяти

Как-то раз меня попросили нарисовать двух деловых людей, жмущих друг другу руки. Вроде бы простая вещь — рукопожатие. Эту картину мы видим повсюду, но по памяти изобразить его у меня не получилось до тех пор, пока я не нашел натуру.

Вы можете знать нюансы и правила построения сложных и простых тел, но, не изучив принципы рисования какого-то конкретного объекта, у вас не получится нарисовать его со знанием дела. Очень мало таких людей, которые идеально рисуют по памяти. Даже самые именитые мастера живописи рисуют с натуры.

Вы должны видеть натуру или фотографию, а не просто взглянуть на неё разок.

4. Бросание работы на полпути

Картина, в которой созерцается некая загадка, недосказанность или неопределенность вызывает восхищение и интерес. Но ничего подобного не выйдет с картиной, которую бросили и не доделали.

Да, довести картину до конца начинающему живописцу непросто. Я бы порекомендовал на начальном этапе писать больше этюдов. Это позволит быстрее расписаться, получить больше вдохновения и удовольствия от живописи, а также избавиться от неуверенности.

5. Бледная и слабая контрастность изображения

Опять же все это из-за неуверенности в своих силах. Со временем это пройдет. Обязательно! В первом пункте мы выяснили, что на первых порах лучше рисовать мягким карандашом. Просто сознательно усиливайте нажим.

Вторая пятерка частых ошибок, связанных непосредственно с рисунком

6. Отсутствие фона

Конечно, прорабатывать фон нужно не в каждом произведении. И все же, если в вашей картине присутствует фон, это значит, в ней есть задний и передний план, что хоть как-то намекает на пространство.

7. Бумага плохого качества

Обыкновенная писчая бумага (общая тетрадь или «Снегурочка») — не лучший холст для живописи. Для линейных набросков — это, пожалуйста. Но она никак не подходит для настоящего произведения, потому как реагирует на нажим такая бумага плохо, что значительно затрудняет проработку светотени.

На том же чертежном листе ваш рисунок будет смотреться гораздо красочнее и лучше, нежели на бумаге для ксерокса и тем более обычной тетради.

8. Отсутствие штриха и растушевка изображений

За штрих можно сказать одно — это одно из самых выразительных средств, поэтому грех его не использовать.

На счет растушевки — те, кто видел, знают. Растушевывая изображение, бумага начинает забиваться, в итоге — каша невнятного цвета. Гораздо лучше работать по принципу лессировки либо просто класть цвета и штрихи рядом друг с другом. Все равно картина воспринимается человеком в целом.

9. Малый формат

Например, вы захотели нарисовать девушку, взирающую вдаль грустным взглядом, да еще и с башни огромного замка. Такое произведение естественно будет лучше всего смотреться на ватмане, нежели на листочке с блокнотика. На большом формате вы гораздо лучше и легче передадите нюанс. Это как в просмотре кинофильма. Что лучше, смотреть его на большом, широком HD-Fullдисплее, либо на маленьком экране сотового телефона.

10. Активные линии

Еще одна распространенная проблема. Многие целеустремленные начинающие художники обводят некоторые участки изображения контуром. Например, молодая симпатичная барышня из-за прорисовки мимических морщин активными линиями превращается в бабушку. А ведь передать эту деталь стоило бы с помощью светотени.

Обучение в школе или в гордом одиночестве?

В заключение хочется затронуть тему пользы художественной школы (курсов). Сейчас мало кто ходит в специализированную школу, так как в интернете есть много видео уроков и литературы для самостоятельного обучения. И все-таки обучение у учителя имеет массу преимуществ: 

• дисциплина;
• больше практики;
• больше живого общения с профессионалом;
• больше художественных средств и инструментов;
• возможность указать на ваши ошибки и вовремя их исправить;
• учиться с сокурсниками и делиться с ними своими достижениями гораздо веселее и приятнее.

Я считаю, что в школе стоит получить необходимую базу, а уже после неё смело развиваться в своей стезе самостоятельно.

А вы как считаете?

• Авторы
• Резюме
• Файлы
• Ключевые слова
• Литература

Полынская И.Н.

1

---

1 Федеральное государственное бюджетное образовательное учреждение высшего образования «Нижневартовский государственный университет»

В статье рассматриваются методы исправления ошибок в рисовании с натуры у школьников в процессе обучения изобразительному искусству. Цель статьи состоит в разработке наиболее эффективных методов исправления ошибок в рисовании с натуры у школьников. Задачи: разработать методические рекомендации, включающие комплекс заданий и упражнений, направленных на корректировку и исправления ошибок в процессе работы над рисунком натюрморта учащихся начальных классов, а также выявить наиболее типичные ошибки, допускаемые учениками в процессе работы над рисунком натюрморта. Были выделены группы ошибок, допускаемых учащимися: ошибки, связанные с композиционным решением предметов и объектов на листе бумаги, передача плановости; ошибки в определении пропорций и нарушение симметрии предметов; ошибки в изображении круглых геометрических форм; ошибки в передаче конструкции предметов, и линейной перспективы; ошибки в передачи объема средствами линейного и тонового рисунка
Гипотеза исследования заключается в предположении, что работы школьников будут более правильными и грамотными в исполнении при соблюдении условий правильно организованной, планомерной работы, методических разработок и рекомендаций. Применялись наиболее рациональные и обоснованные методы: информационно-рецептивный, репродуктивный, метод проблемного изложения, где акцент делался на корректировку и исправления ошибок в процессе работы над рисунком натюрморта учащихся начальных классов.

рисование

изображение

натюрморт

ошибки

методические рекомендации

школьники

изобразительное искусство

обучение

1. Ткачева Л.В. Обучение учащихся начальных классов основам цветоведения в системе внеурочной деятельности // Научные труды магистрантов и аспирантов: сборник научных трудов. Нижневартовск, 2020. С. 155-157.

2. Мелькова Е.А. Влияние изобразительной деятельности на всестороннее развитие школьников // XX Всероссийская студенческая научно-практическая конференция Нижневартовского государственного университета: сборник статей / Отв. ред. А.В. Коричко. 2018. С. 273-275.

3. Полынская И.Н. Формирование композиционных умений у младших школьников на уроках изобразительного искусства при иллюстрировании сказок народов крайнего севера // European Social Science Journal. 2018. № 11. С. 278-285.

4. Хабибулина М.Р. Художественно-творческая деятельность как потенциал развития личности дошкольника // Общество, педагогика, психология: материалы всерос. науч.-практ. конф. (Чебоксары, 11 сентября 2020 г.). Чебоксары: ИД «Среда», 2020. 184 с.

5. Щуринова Т.В. Рисование с натуры птиц и мелких зверьков на уроках изобразительного искусства // Научные труды магистрантов и аспирантов: сборник научных трудов / Отв. ред. Д.А. Погонышев. Нижневартовск, 2020. С. 170-173.

6. Полынская И.Н., Ересько Д.А. Методические рекомендации обучения учащихся в кружковой работе живописи натюрморта с натуры акварельными красками // Теоретические и прикладные аспекты развития современной науки и образования: материалы III Всероссийской научно-практической конференции. 2020. С. 148-153.

7. Саламова Ю.Х. Изобразительная деятельность школьников // XIX Всероссийская студенческая научно-практическая конференция Нижневартовского государственного университета: сборник статей. 2017. С. 339-341.

8. Савинов А.М. Рисунок в графическом дизайне: учебно-методическое пособие. Киров: Кировский филиал МГЭИ, 2014. 112 с.

9. Полынская И.Н. Проблемная ситуация как средство активизации художественно-творческой деятельности учащихся на уроках изобразительного искусства // Человек и образование. 2016. № 2 (47). С. 64-67.

10. Сезенина Н.В. Формирование композиционных умений у младших школьников при иллюстрировании сказок на уроках изобразительного искусства // XXII Всероссийская научно-практическая конференция Нижневартовского государственного университета: материалы конференции. 2020. С. 322-325.

Задача педагога по изобразительному искусству – организовать процесс обучения таким образом, чтобы максимально раскрыть потенциальные возможности и художественно-творческие способности каждого обучающегося.

Цель уроков изобразительного искусства – научить школьников основам изобразительной грамоты, сформировать умения рисования с натуры, по воображению и памяти. «В общеобразовательной школе уроки изобразительного искусства являются очень важными и необходимыми в образовании и воспитании школьников» [1, с. 155].

Устранение и корректировка ошибок и неточностей в рисунках школьников является значимым моментом в обучении изобразительному искусству. Задача преподавателя заключается в том, чтобы при обучении основам изобразительной грамоты школьники осознанно, анализируя свою работу, могли самостоятельно устранить ошибки, допущенные при построении художественного объекта.

Умение осознанно, без помощи преподавателя  исправлять допущенные ошибки в рисунке является основой крепких и глубоких знаний и усвоения учебного материала. Нежелательно прямое указание на ошибки, и тем более недопустимо, чтобы педагог собственноручно исправлял ошибки в рисунках обучающихся. Такой метод обучения не является эффективным, так как не устраняет причин, породивших погрешности. Следует отметить, что полноценное и тщательное объяснение задания учителем является одним из условий предупреждения ошибок.

Важным является понимание учащимися причин возникновения той или иной ошибки при изображении предметов и объектов. Следует научить школьников осознанно определять пропорциональные соотношения между предметами, а также сохранять внутрипредметные пропорции при изображении. При конструктивном анализе изображаемых предметов целесообразно учить детей наносить в рисунке все вспомогательные и расчетные линии, определяющие характер самого предмета, что тоже поможет избежать неточностей и ошибок в работе.

Цель исследования заключается в разработке у школьников эффективных методов исправления ошибок в рисовании с натуры. Решение данной проблемы заключается в том, чтобы учащийся в процессе работы над рисунком с натуры мог избавиться от ошибок и не делать их в пределах программных требований, т.е. усвоил основы рисования с натуры. В соответствии с задачами обучения и воспитания в разные периоды существования общеобразовательной школы применялись различные методы исправления ошибок.

Несомненно, педагог в течение всего процесса обучения должен быть деятельным и проявлять творческий подход. Это нужно для того, чтобы максимально повысить активность обучающихся и сформировать у них сознательное отношение к работе над изображением, необходимость соблюдения правил конструктивного анализа предметов и объектов, перспективного построения и композиционного решения. Умение сравнивать рисунок с натурой также является одним из важных аспектов в рисовании и воспитывает у школьников критическое отношение к тому, что они воспринимают и изображают. «Изобразительная деятельность способствует развитию исключительно положительных качеств ребенка, мотивируя его к дальнейшему творчеству» [2, с. 275]. Такое отношение очень важно для познания и усвоения изучаемого учебного предмета.

Материал и методы исследования. Непременными условиями предупреждения ошибок и корректировки рисунков обучающихся являются квалифицированное и основательное объяснение учителем задания, решение целевой установки урока и высокая степень разработанности и организации учебно-воспитательного процесса. В ходе исследования были выявлены весьма важные моменты в решении данной проблемы, на которые следует обратить особое значение в процессе обучения школьников рисованию с натуры. Исходя из результатов теоретического анализа и накопленного педагогического опыта работы с учащимися можно выделить определенные стереотипные виды ошибок, допускаемых школьниками при изображении предметов и объектов с натуры:

– ошибки, связанные с композиционным решением предметов и объектов на листе бумаги, передача плановости. «Несмотря на то что (хотя) по основам композиции в методике преподавания изобразительного искусства в начальных классах общеобразовательной школы накоплен достаточно большой опыт, однако ошибки в композиции являются самыми распространенными» [3, с. 218–219];

– ошибки в определении пропорций и нарушение симметрии предметов; «… наполненность листа, некая симметрия, сохранены пропорции цветов, рисунок имеет законченность, есть композиция. Все эти критерии могут указывать на работу мастера» [4, с. 166];

– ошибки в изображении круглых геометрических форм;

– ошибки в передаче конструкции предметов и линейной перспективы. «Поэтому ознакомление учащихся на практической работе с перспективным изображением должно быть основой занятий по рисованию» [5, с. 172]. «На занятиях надо обращать особое внимание на техническое выполнение живописных, конструктивных или пространственных задач» [6, с. 150];

– ошибки в передаче объема средствами линейного и тонового рисунка. «Передача объема предметов в рисунках дает полноту и глубину каждому предмету, проникновенности ко всему существующему» [7, с. 340].

В учебном процессе применяется как групповая форма обучения, которая дает возможность поставить учебную целевую установку, осуществить словесно-наглядный метод изложения учебного задания, спланировать работу в группе, так и индивидуальная, обеспечивающая индивидуальный подход к выполнению задания, обсуждению ошибок в рисунках и способов их корректировки, позволяющая провести анализ работ учащихся и сделать соответствующие выводы.

Сочетание внешнего и внутреннего контроля учебной работы служит основанием для усовершенствования содержания изучаемого материала и более широкого использования заданий, валидных по отношению к требованиям и уровню подготовки обучающихся.

Результаты исследования и их обсуждение. Чтобы выявить наиболее типичные ошибки в рисунках школьников, допускаемые в работе с натуры, было проведено опытно-экспериментальное исследование в форме констатирующего и преобразующего этапов эксперимента. В результате анализа продуктов изобразительной деятельности обучающихся, полученных в ходе всех этапов опытно-экспериментального исследования, мы разработали критерии оценки по выявлению наиболее типичных ошибок при рисовании с натуры в процессе выполнения заданий. Была представлена такая система критериев оценки, в которой каждый элемент содержит необходимые и достаточные показатели, позволяющие определить характер ошибок в процессе изображения объектов и предметов с натуры и которая дает возможность объективно провести мониторинг изучаемого процесса и сделать выводы по всем этапам опытно-экспериментального исследования (констатирующему и преобразующему этапам эксперимента).

Данные критерии оценки объединены по параметрам.

Параметр № 1. Композиционное решение предметов и объектов на листе бумаги, передача плановости:

а) низкий уровень – явные ошибки, связанные с композиционным решением предметов и объектов на листе бумаги, неверная передача пространственных планов в рисунке;

б) средний уровень – незначительные отклонения в передаче пространственных планов в рисунке и композиционного расположения предметов и объектов на плоскости листа;

в) высокий уровень – правильное композиционное расположение предметов на плоскости листа, точная передача пространственных планов в рисунке.

Параметр № 2. Определение пропорций и симметрии предметов:

а) низкий уровень – типичные ошибки в передаче пропорций и нарушение симметрии предметов;

б) средний уровень – незначительные отклонения передачи пропорций и симметрии предметов и объектов;

в) высокий уровень – правильная передача пропорций и симметрии предметов.

Параметр № 3. Изображение круглых геометрических форм:

а) низкий уровень – характерные ошибки в передаче перспективы окружности, в изображении предметов круглых геометрических форм;

б) средний уровень – незначительные ошибки в передаче перспективы окружности, в изображении предметов круглых геометрических форм;

в) высокий уровень – правильная передача перспективы окружности в изображении предметов круглых геометрических форм.

Параметр № 4. Передача конструкции предметов и линейной перспективы:

а) низкий уровень – характерные ошибки в передаче конструктивного анализа формы предметов и объектов;

б) средний уровень – неточности в конструктивном решении формы предметов и линейной перспективы;

в) высокий уровень – правильный анализ конструкции предметов и перспективное построение.

Параметр № 5. Передача объема средствами линейного и тонового рисунка:

а) низкий уровень – явные ошибки в передаче объема средствами линейного и тонального решения в рисунке;

б) средний уровень – незначительные отклонения в передаче объема средствами линейного и тонального решения в рисунке;

в) высокий уровень – грамотная передача объема средствами линейного и тонового решения в рисунке.

Основная цель констатирующего этапа эксперимента состояла в диагностике исходного уровня типичных ошибок при работе с натуры в процессе изобразительной деятельности обучающихся. Констатирующий этап эксперимента проводился на базе МБОУ Средняя общеобразовательная школа № 31 города Нижневартовска с учащимися 1–4-х классов.

Для экспертизы исследуемого материала мы использовали аналитический метод количественного и качественного анализа продуктов изобразительной деятельности учащихся 1–4-х классов.

На данном этапе исследования школьникам предлагалось задание – изобразить графитным карандашом несложный натюрморт с натуры. Экспертиза рисунков школьников 1–4-х классов дает возможность наглядно установить корреляцию процентных показателей по классам, учитывая критерии оценки по разработанным нами параметрам. Рассмотрев работы обучающихся по критериям оценивания и сопоставив рост показателей параметров по всем уровням, мы  представили таблицу мониторинга результата констатирующего этапа педагогического эксперимента (табл. 1).

Таблица 1

Анализ рисунков испытуемых констатирующего эксперимента

Параметры	1-й класс (26 учащихся)	2-й класс (24 учащихся)	3-й класс (22 учащихся)	4 класс (23 учащихся)
уровни
н	с	в	н	с	в	н	с	в	н	с	в
1. Композиционное решение предметов и объектов на листе бумаги, передача плановости	71%	18%	11%	64%	21%	15%	54%	29%	17%	47%	32%	21%
2. Определение пропорций и симметрии предметов	79%	13%	8%	73%	16%	11%	70%	19%	11%	58%	28%	14%
3. Изображение круглых геометрических форм	83%	11%	6%	80%	12%	8%	75%	14%	11%	69%	18%	13%
4. Передача конструкции предметов и линейной перспективы	83%	10%	7%	82%	11%	7%	78%	13%	9%	74%	15%	11%
5. Передача объема средствами линейного и тонового рисунка	89%	8%	3%	85%	9%	6%	82%	11%	7%	78%	13%	9%

н – низкий уровень; с – средний уровень; в – высокий уровень

Анализируя данные таблицы 1, можно отчетливо увидеть, что показатели по всем параметрам довольно низкие. Например, трактовка в рисунках учащихся такого параметра, как «Композиционное решение предметов и объектов на листе бумаги, передача плановости», при изображении простейшего натюрморта с бытовыми предметами на низком уровне 1-го класса составил 71%, во втором классе – 64%, в 3-м классе этот показатель составил 54%, а в 4-м классе – 47%. Средний уровень этого же параметра тоже невысок: в 11-м классе составил 18%, во 2-м классе – 21%, в 3-м  классе – 29% и  в 4-м классе – 32%. Высокий уровень данного параметра составил в 1-м классе 11%, во 2-м классе – 15%, в 3-м  классе – 17 и, наконец, в 4-м классе – 21%. Такое же положение наблюдается и при рассмотрении других параметров: «Определение пропорций и симметрии предметов»; «Изображение круглых геометрических форм»; «Передача конструкции предметов и линейной перспективы»; «Передача объема средствами линейного и тонового рисунка».

Анализ продуктов изобразительной деятельности обучающихся начальных классов дал возможность выявить у них существенные проблемы, возникающие на различных этапах работы над рисунком, и определить причины их происхождения.

В результате анализа опытно-экспериментального исследования, а также изучения обозначенных проблем в обучении изобразительному искусству содействовали основой экспериментальных разработок.

Первостепенная задача преобразующего этапа эксперимента состояла в практической проверке эффективности разработанного комплекса заданий и упражнений, способствующих более эффективному обучению школьников основам реалистического рисования. Для решения проблемы исследования школьникам предполагалось выполнение конкретных задач, которые необходимо решить путем выполнения специальных заданий и упражнений (табл. 2).

Таблица 2

Комплекс специальных заданий и упражнений преобразующего этапа педагогического эксперимента

№	Тема	Содержание занятий	Кол-во часов
1-й класс
1.	«Дары Югорского края»	Изобразить с натуры натюрморт с кедровой шишкой, грибами	1 час
2.	«Берестяной туесок»	Изобразить берестяной туесок цилиндрической формы	1 час
3.	«Туесок для брусники и голубики»	Изобразить натюрморт с берестяным туеском прямоугольной формы и рассыпанными возле него ягодами	1 час
4.	«Аромат полевых цветов»	Изобразить крынку с букетом полевых и луговых цветов	1 час
2-й класс
1.	«Беличьи запасы»	Изобразить натюрморт с кедровыми шишками, орехами, грибами на форе нейтральной драпировки	1 час
2.	«Хантыйская куженька для рыбы»	Нарисовать графитным карандашом деревянную куженьку с передачей характерных особенностей	1 час
3.	«Горит костер рябины красной»	Изобразить натюрморт с букетом рябиновых гроздей в вазе	1 час
4.	«Праздник к нам приходит»	Изобразить праздничный новогодний натюрморт с еловыми ветками, елочными украшениями, конфетами и мандарином	1 час
3-й класс
1.	«Полна набирушка морошки»	Передать характер берестяной набирушки для ягод на фоне драпировки	1 час
2.	«Осенний натюрморт»	Изобразить натюрморт с фруктами в плоском блюде: долька арбуза, яблоко, груша, сливы	1 час
3.	«Хантыйский тутчанг»	Нарисовать графитным карандашом традиционную хантыйскую сумку из оленьей шкуры «тутчанг»	1 час
4.	«Грибное лукошко»	Изобразить натюрморт с лукошком, грибами и керамической крынкой	2 часа
4-й класс
1.	«Яблочный спас»	Изобразить натюрморт с бытовыми предметами и яблоками на фоне цветной драпировки	1 час
2.	«Вещи бабушки Аннэ»	Изобразить натюрморт с хантыйскими бытовыми предметами: выбивалкой для снега, корноватиком, берестяным коробом	2 часа
3.	«Дело мастера»	Изобразить натюрморт со слесарными инструментами: рубанком, киянкой, зубилом и т.д.	1 час
4.	«В хантыйском лабазе»	Изобразить натюрморт с традиционными хантыйскими бытовыми предметами на фоне бревенчатой кладки (имитации бревенчатой кладки)	2 часа

Предлагаемый комплекс заданий и упражнений имеет общепринятую структуру и содержит необходимый образовательный контент: программное обеспечение, включающее цели и задачи изобразительной деятельности; методы и характер взаимодействия педагога с учащимися; дидактические концепции обучения; методические рекомендации к занятиям; обеспечение необходимыми наглядными пособиями, ТСО и т.д. Представленные задания и темы уроков подобраны с учетом особенностей возраста учащихся, строгой логичности и последовательности излагаемого учебного материала, целевой установки для решения данной проблемы, а также способствуют результативному обучению рисования с натуры на уроках изобразительного искусства. «Кроме того, задания должны применяться рационально. Они не могут становиться самоцелью, а должны гармонично вписываться в учебный процесс, не нарушая логической последовательности обучения» [8, с. 109].

Комплекс представленных заданий прошел апробацию с учащимися начальных классов. Анализ результатов констатирующего и преобразующего этапов  эксперимента показал, что уровень практических умений в рисовании с натуры школьников значительно повысился. Разработанные задания содействовали успешному и плодотворному усвоению учениками методических способов и приемов работы над рисунком с натуры. Школьники, участвующие в преобразующем этапе эксперимента, научились внимательно относиться к композиционному решению изображения, передавать пространственные планы в рисунке; определять пропорции и симметрию изображаемых предметов; более точно изображать предметы цилиндрической формы и перспективу окружности; грамотно осуществлять конструктивный анализ формы предметов; передавать объем предметов натюрморта средствами линейного и тонального рисунка.

Для того чтобы учебный процесс помог существенно повысить эффективность управления деятельностью обучаемых в процессе решения педагогических задач, использовались следующие методы: информационно-рецептивный, репродуктивный, метод проблемного изложения, где акцент делался на корректировку и исправление ошибок в процессе работы над рисунком натюрморта. «Важно, чтобы в сознании школьников была сформулирована учебная проблема в целом, осознана главная познавательная задача, а затем организован частичный поиск там, где это возможно» [9, с. 65].

Итак, рассмотрим таблицу сравнительного анализа результатов преобразующего этапа педагогического эксперимента (табл. 3).

Таблица 3

Анализ рисунков испытуемых преобразующего эксперимента

Параметры	1-й класс (26 учащихся)	2-й класс (24 учащихся)	3-й класс (22 учащихся)	4 класс (23 учащихся)
уровни
н	с	в	н	с	в	н	с	в	н	с	в
1. Композиционное решение предметов и объектов на листе бумаги, передача плановости	38%	39%	23%	31%	42%	27%	28%	45%	27%	23%	48%	29%
2. Определение пропорций и симметрии предметов	59%	28%	13%	50%	32%	18%	43%	36%	21%	37%	41%	22%
3. Изображение круглых геометрических форм	64%	24%	12%	54%	31%	15%	45%	39%	16%	40%	42%	18%
4. Передача конструкции предметов и линейной перспективы	68%	21%	11%	55%	29%	16%	49%	34%	17%	40%	39%	21%
5. Передача объема средствами линейного и тонового рисунка	74%	17%	9%	60%	28%	12%	54%	33%	13%	41%	41%	18%

н – низкий уровень; с – средний уровень; в – высокий уровень

Анализируя показатели таблицы № 3, можно проследить стабильную динамику роста показателей преобразующего этапа эксперимента по сравнению с констатирующим этапом. Видна значительная разница. Например, композиционное решение предметов и объектов на листе бумаги, передача плановости в работах учащихся 1-го класса на высоком уровне составили 23%, что выше на 12% по сравнению с констатирующим этапом исследования. Средний уровень этой же позиции составил в 1-м классе 39%, что на 21% выше предшествующего этапа, низкий уровень упал до 38%, тогда как на констатирующем этапе это показатель составил 71%.

Итак, повышение роста показателей можно проследить по всем параметрам от класса к классу.

Выводы. Экспертиза рисунков учащихся начальных классов в процессе опытно-экспериментальной проверки позволила сделать вывод о том, что представленные в статье методические рекомендации и установки способствуют решению проблемы корректировки и исправления ошибок в процессе работы над рисунком натюрморта у школьников и оказывают положительное влияние на качество обучения. Очевидно, что мы верно определили траекторию образовательного процесса школьников. Следовательно, можно сделать выводы: корректировка и своевременное исправление ошибок в процессе работы над рисунком натюрморта учащихся начальных классов значительно повысили качество обучения.

Результаты преобразующего этапа эксперимента подтвердили выдвинутую гипотезу, что эффективнее будет не допускать возможных ошибок и предупреждать их в работе над рисунком с натуры. Это возможно, если педагог ставит посильные задачи школьникам, досконально продумает методы обучения, формы организации учебного процесса. Важнейшими условиями эффективного формирования изобразительных умений и навыков являются мотивация и активность школьников на уроках изобразительного искусства. «Немаловажным фактором успешности в обучении является целеустремленность, упорство, настойчивость в работе, неоднократное повторение и закрепление полученных умений на уроках» [10, с. 324].

В итоге все методы работы над исправлением ошибок в рисовании должны привести учеников начальных классов к тому, чтобы они целостно воспринимали натуру, умели осуществлять критический анализ своих рисунков, осознавали явные и незначительные ошибки, исправляли их и корректировали, добивались точного и грамотного художественного изображения натуры.

---

Библиографическая ссылка

Полынская И.Н. МЕТОДЫ ИСПРАВЛЕНИЯ ОШИБОК В РИСОВАНИИ С НАТУРЫ У ШКОЛЬНИКОВ // Современные проблемы науки и образования. – 2021. – № 1.
;

URL: https://science-education.ru/ru/article/view?id=30511 (дата обращения: 31.01.2023).

---

Предлагаем вашему вниманию журналы, издающиеся в издательстве «Академия Естествознания»

(Высокий импакт-фактор РИНЦ, тематика журналов охватывает все научные направления)

Вы решили стать хорошим художником. Много практикуетесь, читаете учебные материалы, смотрите видеоролики, анализируете чужие работы… но совершенно не замечаете прогресса. Усердная работа не приносит желаемого развития. «Может быть, это просто не для меня», – подумаете вы. – «Возможно, я зря трачу свое время». Однако, я уверена, что этому может быть другое объяснение. Вполне возможно, что вы просто неправильно планируете учебный процесс. Ошибочные выводы, непродуктивная практика… Стоит только избавиться от этого, как все изменится, и вы начнете видеть прогресс. Давайте подробнее рассмотрим ошибки начинающих художников и способы борьбы с ними.

1. Завышенные ожидания

Всякий раз, когда мы чего-то хотим, наши желания основаны на представлении того удовлетворения, которое мы почувствуем, когда получим желаемое. Созерцая великолепное произведение искусства, мы думаем, как было бы прекрасно нарисовать что-то подобное. Именно с этого чувства и начинается процесс обучения рисованию.

Но проблема в том, что вы не сможете удовлетворить возникшее желание здесь и сейчас. У вас не получится за одну ночь достичь уровня великих художников, которые годами учились этому искусству. И что же мы получим в итоге? Плохой рисунок – доказательство недостаточно развитых навыков. По сути, каракули ребенка.

Из-за этого каждая попытка нарисовать что-то красивое приводит к неизбежному разочарованию. Вы ожидаете одни эмоции, а на деле получаете совсем другие. При этом вы можете прекрасно понимать, что на учебу требуется время, но это не мешает вам чувствовать себя неудачником.

Зачем вообще рисовать, если я не могу нарисовать что-то красиво

Меня всегда удивляло, почему от рисования ждут немедленных результатов. Впервые сев за пианино, вы не думаете, что сразу будете играть, как Моцарт. И впервые сидя за рулем автомобиля, вряд ли кто-то мечтает с первого же раза выиграть гонку. Да и в отношении кулинарии мы не ждем ресторанного уровня, когда готовим блюдо впервые.

Во всех этих случаях ожидание неудачи естественно. Для вас это не имеет значение, потому что вы заранее настроились. Более того, ошибки начинающих художников часто становятся поводом для шуток и хорошего настроения! Однако, это не работает с первым рисунком. Вам кажется, как будто все ждут от вас феноменальных результатов с первой же попытки. Как будто раньше вы уже умели рисовать, но вам только сейчас позволили этим заняться.

Смотри, он не умеет рисовать. Зачем этот неудачник вообще взял в руки карандаш?

Умение рисовать – это такой же навык, как и все остальные. Вы не знаете, что и как делать, поэтому первые попытки чаще всего будут неудачными. Вторая попытка не намного отличается от первой, потому что вы все еще расстроены после первого «поражения». С каждой новой пробой ваш рисунок становится чуть-чуть лучше, но вы по-прежнему будете выглядеть как ребенок по сравнению с кем-то более опытным. И это норма!

Желание быть лучшим и чувствовать удовлетворение от создания идеальной работы делают вас нетерпеливым. Вы хотите добраться до места назначения не путешествуя. И чем медленнее кажется путешествие, тем хуже вы себя чувствуете, потому что это не то, чего вы ожидали!

Я хочу быть там, но не хочу туда идти!

Чтобы стать хорошим художником, для начала нужно понизить свои ожидания. Мыслите продуктивно, уделяя меньше внимания вашим желаниям (цели) и больше самому процессу (пути). Я научу вас упражнению, которое поможет обнаружить завышенные ожидания и заменить их на более продуктивные мысли.

Напишите список своих ожиданий от рисования. Запишите все, даже если они звучат нелепо. Дальше мы их проанализируем! Например:

• Каждый следующий рисунок должен быть лучше предыдущего;
• Плохие рисунки бесполезны;
• Когда я плохо рисую, это значит, что я неудачник;
• Я должен хорошо рисовать;
• Я должен быстро учиться.

Просмотрите все пункты в списке. Вы уверены, что они относятся к вам? А вдруг это не так и вы ошиблись? Давайте проанализируем каждое утверждение по отдельности.

Каждый следующий рисунок должен быть лучше предыдущего. Я не учусь линейно и равномерно, как компьютер. Иногда я практикуюсь в одной теме, а иногда в другой. Я много экспериментирую, поэтому иногда результат получается лучше, а иногда – хуже. Кроме того, я могу забыть изученное и снова повторить старую ошибку. И это нормально, потому что я человек, а не машина.

Плохие рисунки бесполезны. Плохие рисунки являются стандартным побочным продуктом обучения. Я не стану лучше, если сначала не буду хуже. Плохие рисунки также позволят получить ценный опыт и не совершать ошибки в будущем. Не совершив ошибку, я не узнаю, в чем я плох.

Когда я плохо рисую, это значит, что я неудачник. Когда я плохо рисую, это означает, что я просто не умею рисовать (многие люди настолько боятся этого факта, что даже не пытаются рисовать!). Каждый из нас в чем-то плох, но это не значит, что все мы неудачники! Я работаю, чтобы стать лучше, и это то, чем можно гордиться.

Я должен хорошо рисовать. Никто не обязан быть хорошим в чем-то. Я хочу рисовать красивые вещи, но ни один из художников не давал обещание рисовать исключительно красивые и приятные работы. Если кто-то считает иначе, это их проблема, а не моя.

Я должен быстро учиться. Каждый по-своему склонен к обучению. Если я учусь медленно, это не значит, что я ленив или недостаточно хорош. Это мой личный ритм и неправильно сравнивать его с чужим, потому что мы все разные.

Разве теперь эти пункты не звучат лучше? И мы не пытаемся исказить реальность, чтобы чувствовать себя уверенно. Реальность именно такая, какой вы себе ее представляете. Если постоянно повторять себе, что я неудачник и мне никогда не стать талантливым художником, то так оно и будет.

Возможно, вам кажется, что, не имея завышенных ожиданий, вы будете недостаточно мотивированы и станете меньше заставлять себя работать. Может быть, это правда. Но зачем тогда работать, если вы постоянно себя заставляете и это делает вас несчастным? Меньше давите на себя, и вы сразу начнете получать удовольствие от процесса рисования. Не от результата, а именно от процесса! Возможно, вы никогда не достигнете цели, но сможете насладиться процессом здесь и сейчас. А это, пожалуй, куда лучше, чем рисовать только ради того, чтобы стать хорошим художником и получить признание.

Учиться можно бесконечно, поэтому расслабьтесь и получайте удовольствие от процесса

2. Нежелание учиться

До сих пор многие верят в миф о таланте, без которого невозможны любые начинания. Некоторые считают, что известные художники извлекают все исключительно из своего воображения, без каких-либо подручных средств. Они никогда не используют референсы, никогда не проходят уроки, потому что тогда – внимание! – воспользуются чужими наработками. Это ведь обман! Такое мнение усложняет жизнь многим начинающим художникам.

Если вы считаете, что искусство создано только для получения похвалы, то дело приобретает серьезный оборот. Представьте, что вы восхищаетесь чье-то работой, а потом узнаете, что ее кто-то перерисовал. Получается, кто-то бесплатно получил ваше восхищение за навыки, которыми не обладает. Вот грязный мошенник…

Основываясь на таком мышлении, можно сформировать шкалу:

1. Рисунок, созданный из воображения, быстро и без лишней суеты.
2. Рисунок, созданный из воображения, но с определенными усилиями.
3. Рисунок, созданный по референсам.
4. Рисунок, созданный по уроку.
5. Перерисованный рисунок с фото/картины.

Конечно, данная шкала не предполагает качество рисунка. Данные пункты можно назвать уровнями сложности в рисовании. Легко быть успешным на самом последнем уровне, а отсутствие успеха можно оправдать, если вы находитесь на первом.

Да, я могу и лучше, просто не хотел облегчать себе задачу

Рисование по референсам, конечно, гораздо проще. Можно супер реалистично скопировать увиденное, даже не задумываясь о содержании. Рисуя из воображения, вам приходится самому представлять естественную позу, перспективу, правильную анатомию, детали, светотени… Естественно, такой подход к рисованию заслуживает большего признания.

Но за этим признанием стоят тысячи часов практики. Талантливые художники не родились со знанием «естественной позы, перспективы, правильной анатомии, деталей и светотени». Они годами нарабатывали эти знания, а использование референсов – наиболее быстрый и практичный способ.

Крайне непродуктивно продолжать рисовать одно и то же снова и снова, ожидая, что ошибки начинающих художников больше не будут преградой на пути к вашей цели. Найдите изображение того, что пытаетесь нарисовать, и сравните со своим рисунком, чтобы выявить ошибки. Это не похоже на использование шпаргалки во время экзамена, это больше похоже на использование учебника в процессе учебы!

Если вы пытаетесь нарисовать то, что никогда не рисовали, и надеетесь, что результат будет такой же красивый, как работы опытных художников, значит вы слишком высокомерны. Им пришлось учиться, а вы хотите стать крутым без обучения, потому что считаете, что учеба – это обман.

Зачем мне смотреть на собаку? Я и так должен знать, как она выглядит, иначе я не настоящий художник.

Рисунки, нарисованные из воображения, появляются не изнутри, а снаружи, только в прошлом. Десятки тысяч референсов хранятся у нас в голове – в памяти.

Умение рисовать – это такой же навык, как и все остальные. Он не возникает ниоткуда развитым на 100%. У вас не получается нарисовать кошку с правильными пропорциями? Проанализируйте фото этих животных, чтобы выявить основные черты. Все в вашем рисунке прекрасно, кроме головы? Найдите похожие снимки и выясните, что не так с рисунком. Со временем в вашей памяти соберется достаточное количество референсов и необходимость в них естественным образом отпадет. Отказ от референсов это как выбросить старую тетрадь с конспектами, потому что вы запомнили все их содержимое.

3. Отсутствие плана

Это еще одна проблема, возникающая непосредственно из-за мифа в талант и врожденные навыки. Вы учитесь рисовать… рисуя. Рисуя много и часто. Вы креативный человек и каждый раз пытаетесь создать что-то новое. Вам кажется, что чем больше усилий вложено в работу, тем круче будет результат.

Однако, так не работает. С таким подходом вы будете развиваться очень медленно. Другие люди продолжают улучшать свои навыки, а вы топчитесь на месте. Что же с вами не так?

Повторюсь, рисование – это навык, который вы развиваете. Он не скрыт внутри в ожидании, когда ему позволят проявить себя. Точно так же в людях не скрыта способность виртуозно играть «Лунную сонату». Не получится бездумно тыкать по клавишам, ожидая услышать музыку. Точно так же нельзя каждый раз рисовать случайные вещи и надеяться, что это приблизит вас к мечте стать профессиональным художником.

Если вы рисуете исключительно для публикации в сети и привлечения внимания, то вы прилагаете слишком много усилий для создания качественного рисунка, а не учебы. Ваша цель – стать профессиональным художником, правильно? Но этого не достичь, не нарисовав много неудачных эскизов. Пусть они будут корявые и некрасивые, их все равно никто не увидит.

При любом обучении вы должны думать и планировать. Не рисуйте хаотично, пытаясь в процессе развить свой навык. Решите, чему вы хотите научиться, и узнайте, как это изучить. После этого… учитесь. Рисуйте много, но целенаправленно. Анализируйте свои действия, а не просто наблюдайте за процессом. Найдите в Интернете и запомните полезные правила и секреты от известных мастеров, которые позже вам пригодятся. Протестируйте их на деле и при необходимости подкорректируйте.

Хаос и отсутствие четкого плана – первые враги обучения

Это не значит, что вы сейчас же должны перестать рисовать просто ради своего удовольствия. Просто не стоит каждый рисунок, эскиз или черновые наброски, дорабатывать до состояния публикации. Время от времени рисуйте полностью завершенные работы, которые не стыдно показать. Именно по таким работам вы увидите реальный прогресс.

4. Слишком много планирования

Вы начали серьезно заниматься рисованием. У вас много амбиций и упорства. Вы проходите уроки, тренируетесь в быстрых набросках, смотрите ролики других художников. Кроме того, регулярно читаете мотивационные материалы и смотрите лекции о рисовании. Ни дня не проходит без рисования.

И это отлично, но впереди вас ждет ловушка. Статьи и видео от опытных художников – отличный источник мотивации и опыта. Изучая подобные материалы, вы чувствуете, как ваши навыки пассивно улучшаются. Вы ищите что-то новое: «5 секретов хорошего рисунка», «10 привычек успешного художника», «Совет, который упростит рисование». Это похоже на обучение, но без каких-либо усилий с вашей стороны!

Не поймите меня неправильно, все-таки я тоже написала одну из таких статей. Но когда вы в очередной раз смотрите видео «10 привычек успешного художника», вместо того, чтобы заняться реальным делом, вы крайне непродуктивны. Вы не работаете над достижением своей цели. Создается иллюзия продуктивности, но статьи и видео ничего не стоят, если вы не будете применять полученную информацию на практике.

Сюда же можно отнести постоянный поиск советов, новаторских техник, о которых вы еще не слышали. Вместо того, чтобы просто взять карандаш и научиться рисовать, вы тратите время на поиски блестящей техники, которая позволит получить результат здесь и сейчас. При этом вам тоже кажется, что вы очень продуктивны. Однако, это не так.

Учебники и различные руководства полезны, но относитесь к ним, как к вспомогательным материалам. Не нужно заменять ими реальную практику. Любую, даже самую простую технику, следует отрабатывать на практике, чтобы усвоить. Прочтение толстой книги о рисовании не сделает из вас Айвазовского. Просмотр руководств и статей не исправит ошибки в рисунках.

Только рисование улучшит ваши навыки. И хотя это непродуктивно рисовать без какой-либо подготовки, слишком много подготовки так же плохо. Досмотрите ролик до конца, дочитайте статью. А потом… рисуйте!

5. Сравнение себя с лучшими

Большинство из нас начинает рисовать, вдохновившись работами других художников. Не только старых мастеров. В эпоху цифровых технологий больше не нужно посещать галереи, чтобы увидеть профессиональные картины. Кроме того, сейчас мы можем включить видеоролик с процессом рисования и увидеть, как талантливые художники из простых мазков создают свои шедевры. Это ваша цель и то, кем вы хотите стать.

Наблюдение за творчеством великих художников действительно вдохновляет, но иногда может убить веру в собственные силы. Их уровень кажется таким недостижимым, так зачем беспокоиться? Тем более, что вы и на 5% не нарисуете так же хорошо, как они. Ваши лучшие рисунки выглядят, как детские каракули, по сравнению с их шедеврами. Они могут за 20 секунд набросать из воображения эскиз, который вы не повторите и за 20 часов с референсами.

Да, эти художники, безусловно, кажутся богами искусства. Но они такие же люди, как мы с вами. Вы узнали о них после того, как они прошли свое путешествие и добрались до цели, но вы ничего не знаете о своем путешествии. Поэтому, сравнивая себя с другими художниками, вы, на самом деле, сравниваете свою текущую позицию в путешествии с их местом назначения, и это всегда будет приносить только разочарование.

Каждый художник с чего-то начинал. Каждый рисовал детские каракули, у каждого есть много плохих рисунков и первые удачные работы. И вот, спустя тысячи часов практики и упорного труда, они, наконец, достигают того состояния мастерства, которое вы видите их сейчас. Вы поработали всего 100 часов или даже меньше, а потом спрашиваете почему у вас не получается так же хорошо.

Вы не можете магическим образом телепортироваться в это состояние. Другие художники достигли этого часами упорной работы, и вы тоже должны через это пройти. Не игнорируйте их путь только потому, что не видите его. Не стоит приписывать их способности какому-то мистическому таланту. Это сделает ваше путешествие к цели сложным и лишит мотивации.

Как у него так хорошо получается, это несправедливо!

Вы не знаете, через что они прошли, с какими трудностями им пришлось столкнуться и насколько хороши они были в том или ином возрасте или через определенное количество часов. Ваше путешествие уникально и не имеет ничего общего с чужими. Ваше место назначения может быть таким же, но путь – другой. А попытка догнать кого-то, кто отправился в путешествие раньше вас, только высосет всю энергию и убьет мотивацию.

Единственный здравый и справедливый способ судить о своем прогрессе – сравнить себя… с самим собой. Вы можете понять, насколько продвинулись к цели, сравнивая свое текущее положение с предыдущим, а не сравнивая свое положение с положением того, кем вы восхищаетесь.

Точка, в которой вы находитесь сейчас, когда-то была вашим местом назначения

Не выбрасывайте свои рисунки, даже если они плохие. Оставьте их для сравнения в будущем. Всякий раз, когда вы чувствуете неуверенность в себе, сравните старые и плохие работы с нынешними. Поверьте, вас удивит то, насколько быстро вы принимаете свои новый уровень, как должное!

Не торопитесь, медленно, но уверенно продвигайтесь по своему пути. Нужны тысячи часов, чтобы стать мастером в любом деле. Одни уже прошли свой путь и сделали то, что предстоит вам. Любуйтесь их работами и пусть они будут напоминанием того, во что могут превратиться долгие часы практики. Уже состоявшиеся художники ничем не лучше вас, как и вы их. Они добились всего упорной работой, и вы должны.

6. Постоянная смена инструментов

Понятие «рисование» имеет очень широкое значение. Набор черточек на камне – это рисунок. Контур, сделанный шариковой ручкой, – это рисунок. Реалистичный портрет с тенями и бликами – это рисунок. Цветной пейзаж, нарисованный на графическом планшете в Photoshop, – это рисунок. Кроме того, вы можете объединить разные техники рисования, например, карандаш и акварель и получится тоже рисунок. Вариантов действительно много!

Но каждый вариант предполагает использование определенного набора инструментов. Возможно, вы считаете, что если не добились потрясающего результата с одним инструментом/техникой рисования, то пора переключиться на что-то новое.

Нет ничего плохого в экспериментах и поиске тех техник и инструментов, с которыми вам будет наиболее комфортно работать, но вы должны понимать, что каждый инструмент сперва нужно изучить. Вы не найдете магическую палочку, которая сразу же решит все проблемы. Если у вас не получается нарисовать правильную линию, это не означает, что карандаш слишком грубый или бумага слишком гладкая. Просто ваша рука недостаточно натренирована. И вы не научитесь работать с карандашом, если не посвятите этому достаточно времени.

Не существует идеального инструмента, единственного, который с первого мазка превратит вас в художника. Каждый инструмент и техника требуют практики

Подобные ошибки начинающих художников особенно актуальны среди тех, кто не может позволить себе графический планшет. Вдохновляясь четкими и яркими цифровыми рисунками, они обвиняют традиционные инструменты (карандаши, кисточки) в своих неудачах. Если бы в традиционном рисунке можно было сделать ход назад. Или трансформировать отдельную часть рисунка. Или без следа стереть неудачную линию. Это сделало бы все намного проще!

Но просто не значит лучше. Скрытие своих слабостей не делает вас сильнее. С ними нужно бороться. Изо всех сил пытаетесь провести прямую линию? Работайте над этой проблемой, пока не добьетесь успеха. Не нужно сразу бросаться на поиски инструмента, который упростит работу. Не переключайтесь резко на другой инструмент, после того, как увидели картину, нарисованную им. С помощью и карандаша, и кисточки, и графического планшета можно создавать потрясающие рисунки. Нужно только потратить свое время и овладеть этими инструментами.

7. Нерегулярная практика

Были дни, когда вы регулярно рисовали, проходили уроки, смотрели мотивационные ролики, создавали странички в соц. сетях для публикации своих рисунков. И вдруг вы увидели потрясающую картину, которую, как вам показалось, вы никогда не нарисуете. Затем кто-то пишет неприятный комментарий под вашей работой, и вы окончательно теряете веру в себя.

Затем на какое-то время вообще перестаете рисовать. Страницы в соц. сетях становятся пустыми, а фанаты забывают о вас. И тогда вы снова кем-то или чем-то вдохновляетесь и начинаете работать. Еще усерднее, чем в прошлый раз. Но это ненадолго, потому что ваши навыки остались на прежнем уровне.

А может вам нравится рисовать, но вы просто не можете уделять этому много времени. Сегодня вы что-то нарисовали, прошли урок, неделю попрактиковались… а затем в вашей жизни снова произошло что-то важное. Вы любите рисовать, но у вас попросту нет на это времени. Вам кажется, что это может подождать неделю-две. Но когда вы возвращаетесь, то понимаете, что весь предыдущий прогресс сошел на нет.

Наши мозги неидеальны. Наша память – это не жесткий диск компьютера, куда можно сохранить что-то важное до лучших времен. К каждому воспоминанию ведет своеобразная дорожка и чем дальше вы зайдете, тем легче будет добраться до цели. Но если остановиться, то дорожка зарастет кустами и вы, возможно, больше никогда не найдете ее.

Вот поэтому повторение – это ключ к обучению. Вы можете целый день практиковаться и надеяться, что усвоенные знания останутся навсегда. Но, если их не использовать вскоре после получения, то мозг решит, что эта информация не важна и забудет ее. Чтобы знания сохранялись дольше, их нужно практиковать. Обучение – это не круглосуточная разовая практика, а постоянные регулярные занятия.

Тысячи часов, которые нужно потратить на совершенствование навыков, не возникнут сразу из ниоткуда. Нужны перерывы, время, чтобы знания закрепились. Это происходит даже во время сна! Таким образом, получасовая практика каждый день даст вам гораздо больше, чем один день в неделю проведенный за рисованием.

Не ждите идеального времени, когда вам будет удобно практиковаться. Выделите в течение дня 15-30 минут на рисование и сделайте это ежедневным ритуалом, как приготовление пищи, просмотр фильмов или уборка. Полчаса каждый день лучше, чем 10 часов раз в сто лет.

8. Рисование для других

Любуясь чьим-либо произведением искусства, вы чувствуете не только восхищение. Рядом находится и зависть. Зависть не к навыкам мастера, а к восхищению, которое он получает за свое мастерство.

Очень приятно, когда вас хвалят за тяжелый труд. Когда окружающие признают ваши усилия, вы чувствуете гордость и уверенность! Но есть и другая сторона медали. Когда другие плохо отзываются о ваших рисунках, вы чувствуете себя униженным, никчемным, несмотря на то, что довольны выполненной работой.

Крайне нежелательно связывать свою самооценку с качеством ваших работ. Если вы чувствуете себя бесполезным до тех пор, пока не получите чьё-то признание и похвалу, то это непродуктивно.

Когда окружающие оценивают вашу работу, они судят не конкретно вас, а ваш навык. И только вы сами ставите знак равенства между этими понятиями. Это очень негативно отражается на вашей самооценке и вере в себя. Если вы начинаете верить, что чужая похвала – это доказательство вашей значимости, тогда вашей целью становится удовлетворение других людей, а не собственное саморазвитие. Вы не будете позволять себе экспериментировать, чтобы случайно никого не разочаровать. Вы, по сути, продаёте продукт, который нужен окружающим, чтобы они обратили на вас внимание.

Пожалуйста, похвалите меня!

Что плохого, если обе стороны – и создатель, и получатель продукта – счастливы? Зависит от того, с какой стороны посмотреть. Если вам действительно нравится снова и снова рисовать одних и тех же популярных персонажей в той технике, которая нравится вашей аудитории, тогда все хорошо. Но, если при этом вы чувствуете себя рабом их интересов и боитесь попробовать что-то новое, тогда пора отказаться от этого.

Вам кажется, что вы хотите нарисовать то, что понравится вашим поклонникам, но в действительности вам хочется, чтобы им понравилось то, что вы рисуете. Именно вы сами должны стать своим самым большим и преданным поклонником. Ваше мнение должно быть выше мнения окружающих. Даже если тысяча человек скажет, что им не нравятся ваши рисунки, это неважно, если они нравятся вам. Потому что это ваше и только вам лучше знать, как это должно выглядеть.

Если вы сами решили нарисовать это именно так, то критика окружающих – всего лишь дело вкуса, и не то, о чем стоит судить однозначно правильно или неправильно

Запомните: каждый человек имеет право на собственное мнение. Если окружающим не нравится то, что нравится вам, это не значит, что они неправы. Мнения не могут быть правильными или неправильными. Вы всего лишь можете им поделиться или оставить при себе. В ответ на неприятный комментарий просто улыбнитесь. Выслушайте любые советы и самостоятельно решить стоит ли к ним прислушиваться. В конце концов, вы не обязаны всем нравиться.

9. Перфекционизм

Обычно, перфекционизм считают просто частью личности человека. Однако, я считаю это расстройством личности. Если вы закоренелый перфекционист, то у вас искаженное представление о собственных достижениях. Независимо от того, насколько хорошо вы выполнили работу, вы никогда не будете удовлетворены, потому что знаете, что можете еще лучше. Похвала и восхищение других для вас не имеют значения. «Они просто хотят быть добрыми и боятся обидеть. Или просто не разбираются в искусстве», – подумаете вы.

Каких бы успехов вы не добились, для вас все незначительно. В сознании перфекциониста работа над собой похожа не на покорение горы, а на рытье ямы. Для перфекциониста лучшим является состояние по умолчанию, а источником стыда – фраза «недостаточно хорош».

Используя такой подход, вы все еще можете замечать свои успехи. Как правило, перфекционисты много работают, поэтому у них больше шансов достичь цели. Проблема в том, что перфекционист не испытывает удовлетворение от своих успехов. Он постоянно давит на себя, чтобы с каждым разом рисовать все лучше и лучше, при этом лишая себя награды за реальные достижения. Выражаясь метафорически, перфекционисты не зарабатывают деньги, они погашают долги.

У меня нет лекарства от перфекционизма, но я могу дать вам ценный совет. Вы должны понимать, что все только в вашей голове. Это не значит, что вы можете это контролировать или в чем-то виноваты. Просто любая ваша неудача не имеет никаких внешних последствий. Только внутренние. Это ранит, но не убивает.

Вы сделали ошибку, и что? Никто на вас не давит, и вы не обязаны быть идеальны во всем и всегда!

Вы считаете, что любые ошибки начинающих художников сравнимы позору. Но попытайтесь посмотреть на это более рационально: «Я человек, а все люди ошибаются. Но я могу учиться на своих ошибках и становиться лучше». Поэтому ошибайтесь! Если вы боитесь заняться фотосъемкой, потому что не знаете с чего начать, тогда намеренно начните неправильно. Получайте от этого удовольствие и растите над собой!

Вы считаете, что все люди обязаны хорошо рисовать? Нет. Так почему к себе так относитесь? Что делает вас особенным? Вы единственный, кто ожидает от себя потрясающих результатов во всем. Прикажите этой личности заткнуться хотя бы на время. И с каждым разом увеличивайте это время. Вы такой же, как все. И каждый человек многие вещи делает плохо. Так будьте похожим на остальных!

10. Считать реализм единственно правильным стилем рисования

Искусство, в самой популярной трактовке, – это создание копии реальности при помощи каких-либо средств. В каждом мазке кисточки должен быть какой-то скрытый смысл, и задача зрителя его распознать. И чем проще его распознать, тем лучше. Нет ничего хуже реалистичного рисунка, который не выглядит реалистично.

Если вы поклонник реализма, то для вас не существует компромиссов. Реализм – единственный стиль, который имеет значение, это вершина творчества. Все остальное пустяки и несерьезно. Линейный набросок может выглядеть очень красиво, но он никогда не будет так же крут, как фотореалистичный портрет карандашом.

У настоящих котов голова не круглая, неудачник!

В давние времена живопись должна была как можно точнее запечатлеть реальность. Тогда не было фотоаппаратов и видеокамер. Поэтому идеальный реализм был целью большинства мастеров прошлого. Сегодня у нас есть камеры и они гораздо точнее передают реальность, чем любой художник. И быстрее. Если нам нужно скопировать фото, мы пользуемся копировальной машиной. Сегодня невероятно просто запечатлеть реальность со 100% схожестью.

Из-за этого реализм (или фотореализм) стал просто искусством ради искусства. Вы рисуете реалистично только потому, что хотите доказать себе/другим, что умеете это, и ничего больше. Хотя сегодня реалистичные рисунки ничем не лучше других стилей. Реализм можно назвать стилем по умолчанию, но не единственным.

Быть хорошим художником не означает, что вы можете со 100%-ной точностью нарисовать реалистичный рисунок. Быть хорошим художником – это знать, как правильно, но позволять себе намеренно делать ошибки. Вы играете с реальностью и то, как вы это делаете, формирует ваш собственный стиль рисования.

В эпоху копировальных машин, намеренные ошибки могут превратить рисунок в настоящее произведение искусства

Если бы вершиной искусства считался реализм, то все художники рисовали бы одинаково. Идеально, но все же одинаково. Стилизованный рисунок – это ваша визитная карточка, которая делает вас уникальным. А это гораздо круче, чем реализм. В такую работу вы вкладываете частичку души. И вместо того, чтобы показать поклонникам своего творчества то, что они могут увидеть в реальности, вы показываете им то, что они не могут увидеть без вас. Я считаю, что в этом и заключается настоящее искусство!

Но как отличить действительно персональный стиль от случайности? Все зависит от ваших намерений. Если в голове была идея с конкретным результатом, а получилось иначе, это ошибка. А если вы понимаете, как должно быть реалистично, но намеренно искажаете, например, пропорции, это не ошибка. Поэтому отклонение от реализма должно быть целью, а не случайностью.

Но также важно изучить реалистичный рисунок. Если вы хотите изобразить льва, то должны знать, как он выглядит, чтобы другие тоже могли узнать его в вашем рисунке. Как только вы поймете, что считается реалистичным, то намеренно сможете заменять любые детали рисунка. И тогда вы перестанете быть рабом реализма!

Завершение

Рисование, как и любой другой навык, прост на поверхности, но таит в себе много подводных камней, если в него углубиться. А поскольку многие по-прежнему считают, что с этим навыком можно только родиться, то человеку будет сложно научиться рисовать. Надеюсь, эта статья нашла отклик внутри вас и помогла стать увереннее в своих способностях. Также рекомендую вам посетить социальную сеть художников и иллюстраторов wearts.ru. Там вы найдете современные арт-работы, сможете показать свои и получить поддержку от людей, увлекающихся творчеством. Ошибки начинающих художников легко исправить, если знать их первопричину.

Оставляйте комментарии, подписывайтесь на обновления и делитесь статьей в соц. сетях. Приятного творчества!

Если вы тоже хотите разбор своих работ, то прислать их можно на условиях данного поста (бесплатно).

Мне предложили несколько голов для анализа «из зрительного зала» (НЕ моих учеников), и первым я выбрала рисунок Цезаря. Он был выполнен в процессе подготовки в МАрхИ. Если Вы абитуриент и сейачс рисуете головы, то прислушиваемся к критике, проецируем её на свои рисунки и выполняем работу над ошибками. Поехали!

Для начала разберемся с построениями:

Композиция на листе. Я не вижу весь лист целиком, но могу догадаться, что можно было бы голову сделать чуть побольше, посадить ее враспор, иначе она получается меньше натуры и «болтается в листе». Также из-за того, что фото обрезано, сложно понять, сколько осталось места перед лицом, чтобы оценить, не уехала ли голова вперед.

По общим пропорциям выглядит всё хорошо – разве что чуть длинновата шея по отношению к лицу. И может быть на 1,5 мм можно было бы нос сделать поменьше. Средняя линия на месте – это здорово. Детали посажены друг относительно друга правильно.

⠀

С наклонами же вышла несостыковка. На фото можно посмотреть, как я соединила симметричные точки между собой. Получается, что брови и глаза сходятся между собой резче, чем остальные детали. А губы расходятся с глазами вдаль (это называется обратная перспектива). В итоге параллельные в реальности линии, которые должны в перспективе сходиться в одной точке, сходятся неравномерно. И если бы мы развернули бы такого человека в фас, то увидели бы, что у него левый глаз меньше правого, а левый уголок губы сильно ниже правого.

⠀

По деталям отметила мелкие ошибочки:

1 и 2 – самые высокие точки бровей и вертикальные переломы расположены несимметрично;

3 – нижнее веко у дальнего глаза следует чуть приподнять, тогда глаз будет выглядеть под стать ближнему. Также сейчас внешний уголок дальнего глаза выглядит так, будто его заправили в нижнее веко. Всё исправится , если верхним веком перекрыть нижнее;

4 – мне кажется, не хватает второй ноздри. Всё-таки приглядитесь. Совсем чуть-чуть, но её должно быть видно с этого ракурса. Сейчас есть ощущение, что её там нужно добавить;

5 – нижнюю губу лучше строить через пятно тени под ней, потому что если простраивать резкие линии к уголкам губ, то кажется, будто Цезарь недовольно поджал губы. Это должна быть нюансная работа над тоном;

6 – к шее нужно относиться внимательнее. Сейчас кадык расположен не под тем углом, в итоге он выглядит заявленным. Простраивайте его с помощью вертикалей относительно деталей на лице. К абрису шеи тоже будьте внимательнее, иначе вы лишите бедного Цезаря мышц спины. Ещё нужно уточнить грудинно-ключично-сосцевидную мышцу, чтобы её форма читалась;

7 – сейчас ухо у вас наклонилось больше, чем нужно. Обычно наклон уха должен повторять наклон челюсти.

По тону мне нравится цельность. Соблюдение соотношений «тень темнее света», достаточно детальная проработка. Почти грамотный разбор в тенях на собственную, рефлекс и падающую.

Общие выводы. Пока не хватает аккуратности. Хотелось бы более плотной проработки подложки под штрих. Сейчас даже из-под самых тёмных мест выступают крапинки белого листа. Также штрих лучше класть в одном направлении – в пределах угла 90°, иначе Цезарь будет казаться не гипсовым, а каким-то лохматым, будто бы скатанным из шерсти. Ощущения аккуратности это точно не добавит. 

Ещё я бы порекомендовала поработать над плановостью и воздушной перспективой. Сейчас первый план и второй не различаются. Волосы, шея и дальняя часть лица проработаны так, что не дают завернуться голове и она кажется плоской. Тут есть два варианта: либо вытягивать первый план детальностью и контрастом, либо убирать их на дальнем плане. Лично я бы выбрала первый вариант, чтобы длительная работа не превратилась в лёгкий набросок.

Чтобы найти другие разборы работ, вы можете вбить слово «разбор» в поисковой строке сайта.